In seinem hochgelobten Debütfilm erzählt der mexikanische Regisseur Alejandro González Inárritu drei Episoden über Liebe, Hass, Träume und Tod in der Millionenmetropole Mexiko-Stadt, die sich durch einen schweren Autounfall schicksalhaft überschneiden.
Amores Perros (reseña)
Amores perros de Iñarritu (2000)
Fue la primera película del director mexicano. En ella se aprecian ya rasgos que aparecerán en otras posteriores. La confluencia de destinos es uno de ellos, esos puntos de intersección entre personas totalmente diferentes. Destinos metidos en su surco que fluyen con rapidez chocan en un punto, en general, con violencia y todos esos destinos dispares y diferentes saltan por los aires para hacerse un único latido.
Como marco tenemos la cultura mexicana, una delgada realidad, la necesidad de las clases más bajas, la supervivencia. La monotonía de la violencia será una constante en las tres historias de la película.
Primeros pasos de lo que será una larga carrera para Alejandro González Iñarritu al igual que para Gael García Bernal, ese joven actor que emana una naturalidad atrayente ante la cámara.
Me hieren ciertas escenas, las peleas de los perros, la sangre que lo inunda todo; inunda al perro vencedor, al perro muerto. Sangre que tiñe el escenario de rojo, salpica a los hombres que allí se encuentran. Los gritos de los hombres azuzando a matar… y esos perros fuera de si, degollándose bajo la mirada embriagada de lujuria y expectación de un público sórdido, real y sin salida.
No percibo esa ficción como ficción sino como realidad.
Mi cerebro me sugiere que eso está ocurriendo ahora.
Ahora.
Desasosiego es lo que me genera.
Un infinito reguero de premios azuza a Iñarritú a continuar con este tipo de ficciones.
Bienvenida la denuncia social.
Blancanieves
Blancanieves (reseña)
Blancanieves. Pablo Berger (2012)
Un rodaje en blanco y negro que de por sí nos adentra en un realidad algo distante y mágica.
La Blancanieves de Pablo Berger le es fiel a los Hermanos Grimm. Nos tiene como niños algo asustados esperando a que Maribel Verdú, con sus perfectos gestos de madrastra, descubra a la niña y la castigue por sus atrevimientos. Es esa actitud infantil la que adopta el espectador de una manera natural confiándole al narrador un final feliz, pero sabiendo que antes pasaremos por un camino incierto y algo temeroso, quizás a oscuras, en nuestras oscuridades infantiles.
Los cuentos infantiles nos muestran un mundo estático en la percepción del bien y el mal, nos movemos entre un bien que nunca se acerca al mal y un mal que nunca tiene perdón, como extremos que funcionan independientes el uno del otro.
La historia está ambientada en la fiesta taurina. El blanco y negro nos la sitúa algo lejana como si no hubiera conexión alguna con el controvertido presente del toreo. Nos cabe resaltar el guiño que nos hace Berger al regalar un indulto al que debería morir.
Cine mudo pero con sonido, suenan los violines para los momentos más dramáticos, el violonchelo para los momentos mas desgarradores, el acordeón para la vida que fluye en la superficie donde nada duele, la charanga del bombo y platillo para la fiesta taurina.
Los cuentos carecen de la profundidad humana que se va aprendiendo cuando uno abandona la niñez. Estás imágenes no nos llevaran a entender nada ni a nadie. Es una película con otra razón de ser. Una cierta exposición de la belleza exacta y perfecta, una evocación al pasado, un cierto culto a la expresión sin palabras.
Una película que hay que ver por lo inusual de su mezcla, por la mirada diferente y pausada de Pablo Berger en el cine.
Handia
Handia
Im Jahr 1843 kehrt Martin geschunden aus dem Krieg zurück und stellt in seiner baskischen Heimat fest, dass sein Bruder inzwischen zu einem Riesen herangewachsen ist.
Mit: Joseba Usabiaga, Eneko Sagardoy, Iñigo Aranburu
Handia (reseña)
Aitor Arregi y Jon Garaño (2017). Una película vasca.
Quiero empezar esta reseña contando el contenido, recalcando muchas escenas, explicando lo que veo en ese pequeño mundo familiar. Querría contar detalles que no son propios de una reseña. Todos los detalles.
Intentaré mostrar grandes rasgos de Handia para no delatarla en estas líneas. Una pena no poder hacerlo.
En un mundo vasco que no es otro que un mundo de montes verdes, sanos, con el viento que silba siempre de fondo, transcurre la película que nos cuenta Aitor Arregi y Jon Garaño. La historia de un gigante que existió en el siglo XIX en el País Vasco en un caserío. Es la historia de Joaquín, de su hermano Martín, de su padre, es la historia del medio rural. La película transcurre en un marco histórico que no embiste el argumento, mostrando desde las guerras carlistas hasta la libertad de poder viajar en la Europa de la época.
Está rodada en vasco condición indispensable para que la historia concuerde y tenga vida, un riesgo notable que han asumido, diría los productores, en realidad todas las partes del largometraje y que solo engrandece la película.
Aitor Arregi y Jon Garaño nos muestran mucho más que la historia de un gigante, nos dejan ver las inquietudes de Martín, la adaptación y supeditación al medio, la sensibilidad de Joaquín ante la certeza de ser diferente , el estar al borde del abismo donde la dignidad desaparece, una maravilloso gesto puntual de Martín que no sacará el máximo provecho de un hermano ya en vías de su extinción. Los hermanos compartiendo toda una vida juntos.
Es un película contada con sencillez que da valor a las raíces, que da valor a las inquietudes personales, que muestra miedos, angustia, infidelidad y fidelidad, y el transcurso de toda una vida con los momentos que nos marcan y definen.
La realidad de la película no nos supera y a pesar de eso no hay cabida para el sentimentalismo. Un equilibrio entre la fidelidad a la realidad y tratar bien al espectador. El buen gusto en los paisajes, en el vestuario nos ayuda a adentrarnos en la película; a estar atentos y receptivos.
Ya al final de la película me conmueven los gritos de ambos en la nieve, buscándose, aliviando sus miedos, unidos en un frío amenazador y ese abrazo que funde a los dos hermanos, con la generosidad del que se da, olvidando todo el pasado, uniéndose en la misma esencia y enterrando las diferencias de cuerpo y de alma.
Pensamientos profundos y humanos que nos ayudan a entendernos. Creo que un director no puede aspirar a más.
El autor
Regisseur: Manuel Martín Cuenca Produktion: Spanien/Mexiko, 2017 Genre: Drama Länge: 114 min.
„El autor“ handelt von einem glücklosen Schriftsteller, der einen großen Roman schreiben möchte. Er zieht um und lernt seine neuen Nachbarn kennen. Deren reale Schicksale inspirieren ihn endlich zum Schreiben.
Dieser Film von Manuel Martín Cuenca lief zuerst auf dem Toronto International Film Festival 2017. Bei den Goya Awards 2018, dem wichtigsten spanischen Filmpreis, bekam er zwei Auszeichnungen für den besten Hauptdarsteller und die beste Nebendarstellerin. Außerdem wurde er in sieben weiteren Kategorien nominiert.
Der Film ist auf Netflix als Stream und auf Amazon als DVD verfügbar.
El autor (Filmkritik)
Wer hat nicht schon einmal davon geträumt, Schriftsteller zu werden? Inspirationen von seiner Außenwelt zu sammeln, um daraus eine spannende Geschichte zu kreieren? Dennoch üben nur wenige den Autorenberuf aus. Er erfordert neben Kreativität, Strukturiertheit und Schreibtalent auch viel Hingabe. Man muss bereit sein, ständig dazuzulernen, und seinen Text auch mal völlig umkrempeln. Damit wären wir bei der Geschichte von Álvaro (Javier Gutiérrez) aus Sevilla in „El autor“.
Sein Job in einem Notariat langweilt ihn, stattdessen möchte er ein richtig guter Schriftsteller werden – auch aus Eifersucht: Seine Frau Amanda (María León) hat gerade einen großen Bestseller-Erfolg gelandet und er möchte nicht länger in ihrem Schatten stehen.
Er besucht einen Schreibkurs. An Fleiß und Hingabe mangelt es nicht. Allerdings kanzelt ihn sein passionierter Dozent Juan (Antonio de la Torre) vor dem ganzen Kurs ab, da seine Geschichten zu trivial sind. Juans Ratschlag: Er solle endlich den Menschen zuhören und zusehen, da das unabdingbar für eine gute Geschichte sei.
Gesagt, getan: Álvaro trennt sich von Amanda und nimmt sich eine neue Wohnung. Schon bald lernt er seine neuen Nachbarn kennen: die einsame Hausmeisterin, ein mexikanisches Pärchen mit Integrationsproblemen und einen Militär im Ruhestand. Er stellt ihnen nach und versucht, sie näher kennenzulernen. Ihre Lebensgeschichten sind für ihn besserer Romanstoff als alles, was er bisher geschrieben hat.
Zusammenfassung
Der Held aus dieser Geschichte ist kein klassischer. Sympathie empfindet man für Álvaro nur bedingt. Am Anfang ist er ein Verlierer, der anscheinend kein Schreibtalent hat und voller Eifersucht auf seine Frau ist. Später bekommt er einen Schub, der auch sein Schreiben antreibt: Er gewinnt das Vertrauen seiner sonst eher verschlossenen Nachbarn und wird für sie zu einem wichtigen Ansprechpartner und Helfer. Seine scheinbare Empathie dient aber nur dazu, sie als Protagonisten für seine Geschichte zu inszenieren. Ein Spiel mit dem Feuer…
„El autor“ ist kein Wohlfühlfilm. Die ganze Zeit hängt über ihm eine merkwürdige Stimmung. Álvaro schwankt genauso zwischen befremdlich und bemitleidenswert wie die anderen Charaktere mit ihren trüben Schicksalen. Am Anfang schleppt der Film sich noch etwas. Als Álvaro den Rüffel von seinem Dozenten Juan bekommt, ist das aber nicht nur ein Hallo-Wach-Effekt für ihn, sondern für den ganzen Film.
El autor (reseña)
Suena una música de cantautor ochentera, que hace que uno se pregunté si de verdad puede ser, aguzo el oído, ¡sin duda!, José Luís Perales recién resucitado; yo, es que siempre he sido más de Joaquín Sabina. A este choque emocional le siguen unos minutos anglosajones y el discurso de una mujer sensiblera, suspiro y me acomodo en mi silla, le doy a la pantalla con el pulgar para ver cuanto durará la película. 1 hora y casi 40 minutos.
¡Espero sobrevivirla!
La película, sin embargo, tiene 2 buenos avales. El guión se basa en el primer libro de Javier Cercas, ese escritor de escritura lenta, profunda, humana y realista y en segundo lugar el director Manuel Martín Cuenca rodó „La flaqueza del bolchevique“ de Lorenzo da Silva una novela corta, contra la que lance todo tipo de improperios al empezar a leerla por su bajo registro en el lenguaje hasta terminar el relato a las tantas de la noche, totalmente enganchada a su historia, llorando a mares y para siempre grabada en mi.
La historia del protagonista Alvaro envuelve a unos personajes curiosos y bien interpretados en un edificio que podría estar en cualquier ciudad española. Cierta soledad acapara la película. Soledad leve y volátil. Sin ningún peso. La manipulación del protagonista le lleva ser algo así como un Dios menor, los Dioses menores reinan en mundos menores e imperfectos y no siempre son omnipotentes.
El actor principal Javier Gutiérrez se muestra anodino, enjuto, pausado, transparente. Su falta de emoción contrarresta con su objetivo. Escribir un libro. ¡Escribir un libro, encontrar su propia voz!
Las historias del edificio se enlazan en una actualidad distinta a la Buero Vallejiana „Historia de una escalera“, las necesidades han cambiado, las mujeres han cambiado, incluso las nacionalidades han cambiado. Queda, sin embargo, el edificio, la escalera que une y las vidas que se entrelazan.
Hay que resaltar las escenas de sombras en la pared de un gusto exquisito; propias quizás de una película más noble pero que en cualquier caso el espectador agradece.
Historia ágil con un desenlace fresco.
Se puede recomendar. No dejará poso, pero si un buen sabor.
Mujeres al borde de un ataque de nervios (Filmkritik)
Wenn man ganz oberflächlich die Handlung von „Mujeres al borde de un ataque de nervios“ betrachtet, könnte der Film ein Liebesdrama aus den 50er oder 60er Jahren sein. Ein charismatischer Synchronsprecher verlässt seine Kollegin und Geliebte für eine andere, diese will ihn zurück haben und tut alles dafür. Punkt.
Aber dann wäre dies kein Almodóvar-Film. Sein Film ist auf ganz eigene Art und Weise absurd und unverwechselbar.
Der Film lebt von seinem perfekt besetzten Darstellerensemble: Carmen Maura hängt als Pepa zwischen Liebe und Hass zu ihrem Iván und handelt dabei jenseits jeglicher Vernunft: Sie verbrennt das ehemalige gemeinsame Liebesbett und genießt das Feuer solange, bis die Rauchentwicklung sie in akute Gefahr bringt. Sie wirft ihren Anrufbeantworter, der von ihrem Ex in gepflegten Worten besprochen wird, in blinder Wut aus dem Fenster. Doch in anderen Situationen handelt sie wiederum völlig kühl und souverän.
Gerade auch die Nebendarsteller drücken dem Film ihren Stempel auf, egal ob sie nun eine Minute lang oder über die Hälfte des Films auftauchen. Nur die wichtigsten seien hervorgehoben:
- Fernando Guillén als Iván: Eigentlich ein richtiger Gentleman, der selbst eine schmerzhafte Trennung durch die Magie seiner Synchronsprecherstimme noch butterweich rüberbringen kann. Ist in den wenigen Momenten, in denen er auftaucht, sehr präsent, aber auch wenn er fehlt; denn er ist das Phantom, dem alle hinterherjagen.
- María Barranco als Candela: Die „beste“ Freundin von Pepa: naiv und mitteilungsbedürftig. Genau so eine braucht Pepa in ihrer Krisensituation…
- Antonio Banderas als Carlos: Nicht wiederzuerkennen – blutjung, mit Nerdbrille, krausem Haar und einem Stotterproblem. Unsicher und zwanghaft liebesbedürftig, aber er kann Telefone reparieren.
- Rossy de Palma als Marisa, Carlos‘ Verlobte: Sie spricht nicht viel, aber schon ihr ungewöhnliches Erscheinungsbild ist eine Kunstform. Ihr Gesicht ist so hager wie ihr Körper, ihre Nase lang und schief, ihr Blick immer zwischen dumm, arrogant und verstohlen. Man weiß nicht so richtig, was man von ihr halten soll.1)
- Julieta Serrano als Lucía, Ex-Ex-Geliebte von Iván: Sie setzt dem Film am Ende noch einmal die Krone auf. Im Erscheinungsbild zwischen Transvestit und Tante Erna angesiedelt, zeigt sie sich als Antagonistin in Perfektion: schrill, entschlossen und psychopathisch.
Dazu kommt Almodóvars spezielle Darstellungs- und Erzählform. Schon zu Beginn lässt er Iván durch ein Meer an verzückten Frauen wandern und jede mit einem Kompliment beschenken. Er lässt dem Gazpacho, einer Suppe aus rohem Gemüse, immer wieder aufs Neue eine handlungsentscheidende Bedeutung zukommen. Und am Schluss werden wir mit einer ganz besonderen Detailansicht der rachlüstigen Lucía auf einem Motorrad beschenkt.
Vor 30 Jahren hat Pedro Almodóvar mit „Mujeres al borde de un ataque de nervios“ ein keckes Werk geschaffen, das mit seinem Mix aus Charme und Übergeschnapptheit auch heute noch sein Publikum finden wird.
Fußnote:
1) Rossy de Palma tritt auch als Model auf und wurde dieses Jahr in die Academy of Motion Picture Arts and Sciences berufen, die die Oscars vergibt.