In seinem hochgelobten Debütfilm erzählt der mexikanische Regisseur Alejandro González Inárritu drei Episoden über Liebe, Hass, Träume und Tod in der Millionenmetropole Mexiko-Stadt, die sich durch einen schweren Autounfall schicksalhaft überschneiden.
Blancanieves (reseña)
Blancanieves. Pablo Berger (2012)
Un rodaje en blanco y negro que de por sí nos adentra en un realidad algo distante y mágica.
La Blancanieves de Pablo Berger le es fiel a los Hermanos Grimm. Nos tiene como niños algo asustados esperando a que Maribel Verdú, con sus perfectos gestos de madrastra, descubra a la niña y la castigue por sus atrevimientos. Es esa actitud infantil la que adopta el espectador de una manera natural confiándole al narrador un final feliz, pero sabiendo que antes pasaremos por un camino incierto y algo temeroso, quizás a oscuras, en nuestras oscuridades infantiles.
Los cuentos infantiles nos muestran un mundo estático en la percepción del bien y el mal, nos movemos entre un bien que nunca se acerca al mal y un mal que nunca tiene perdón, como extremos que funcionan independientes el uno del otro.
La historia está ambientada en la fiesta taurina. El blanco y negro nos la sitúa algo lejana como si no hubiera conexión alguna con el controvertido presente del toreo. Nos cabe resaltar el guiño que nos hace Berger al regalar un indulto al que debería morir.
Cine mudo pero con sonido, suenan los violines para los momentos más dramáticos, el violonchelo para los momentos mas desgarradores, el acordeón para la vida que fluye en la superficie donde nada duele, la charanga del bombo y platillo para la fiesta taurina.
Los cuentos carecen de la profundidad humana que se va aprendiendo cuando uno abandona la niñez. Estás imágenes no nos llevaran a entender nada ni a nadie. Es una película con otra razón de ser. Una cierta exposición de la belleza exacta y perfecta, una evocación al pasado, un cierto culto a la expresión sin palabras.
Una película que hay que ver por lo inusual de su mezcla, por la mirada diferente y pausada de Pablo Berger en el cine.
La isla mínima (reseña)
Nos situa en un pueblo en las marismas del Guadalquivir en la España de finales de los setenta. Una España recién liberada de la dictadura
Con una dirección bastante exquisita, y con dos protagonistas contundentes de perfil real y claro Alberto Rodríguez nos muestra la investigación de dos policías madrileños en la desaparición de dos hermanas.
Rodada en un marco nítido con unos paisajes intactos y con una cámara puesta en lo alto que nos muestra a vista de pájaro, „a vista de Dios“ los escenarios del crimen. Una cámara verdaderamente abierta, que nos cambia la perspectiva y nos aleja del escenario cercano e invasivo para que apreciemos la totalidad.
Y no es sólo el morbo de la desaparición de las dos hermanas lo que nos mantiene frente a la pantalla, la película va creciendo y va mostrando su valía.
La desazón de un pueblo enterrado y vigilado por el Guadalquivir, por las marismas del Guadalquivir. El espectador tiene la sensación de tener ante sí un agua estancada, un agua peligrosa en calma como los personajes de la película. Las mujeres del pueblo; esas madres, tías, abuelas, la arrendadora; todas desgastadas. En una edad a la que no llegan los hombres. El pelo desgastado, la piel seca, mate. Las guardianas de la sequedad y el olvido abocadas a la nada. Parece que soportaran un gran peso, un peso inamovible.
El mal se refleja en diferentes personajes y dentro de la realidad de buscar a un culpable se crea un mosaico del mal que engrandece la película.
Una fotografía delicada, nítida, espacios naturales intactos hasta deslumbrantes, la naturaleza mostrándose sin rubor con una belleza incontenible. Personajes claros y oscuros. Una sombra del pasado. Una trama que se resuelve. Un final que nunca pudo ser feliz.
Aconsejable.
El laberinto del fauno (reseña)
Seré breve. Guillermo del Toro. Cineasta mexicano.
Creo leer entre lineas que Guillermo del Toro quiere hacer algo nuevo, algo muy nuevo. Su cine no es solo cine fantástico, no es un cine de terror como he leído en algún artículo, creo entrever la intención de llevarnos a un lugar imaginario donde estaremos a salvo de todo mal. No es únicamente una solución a una realidad insoportable, sino un mundo verdadero paralelo donde los valores están intactos. Donde el bien y el mal no se mezclan.
Guillermo del Toro nos quiere mostrar un nuevo orden paralelo a una realidad en este caso de bandos enfrentados tras el final de una guerra. Una realidad de miras cortas, una realidad peligrosa que tiene constantemente la muerte muy cerca, donde la deslealtad, la falta de humanidad y el odio están a la orden del día.
El intento de España de volverse a organizar. Un intento que tiene la lastra de todo lo vivido contrarrestando con el mundo imaginario de Guillermo del Toro; un mundo desconocido, cruel y precioso que alberga unos valores nítidos y absolutos.
Una película que es el eslabón de una cadena en una carrera cinematográfica con una misma constante.
¡Qué esta película no caiga en el olvido!
El laberinto del fauno
Titel (dt.): Pans Labyrinth Regisseur: Guillermo del Toro Produktion: Spanien/Mexiko, 2006 Genre: Fantasy Länge: 119 min.
„El laberinto del fauno“ ist ein Film des Mexikaners Guillermo del Toro, der u.a. bei „Hellboy“ Regie geführt hat und bei der Hobbit-Trilogie für das Drehbuch mitverantwortlich war. In diesem Monat erscheint sein neuer Film „Shape of Water – Das Flüstern des Wassers“ in den Kinos.
„El laberinto del fauno“ spielt im Jahr 1944 in Spanien, als das faschistische Franco-Regime frisch an die Macht gekommen ist. Er handelt von der zwölfjährigen Ofelia (Ivana Baquero), die aus der kriegerischen Wirklichkeit in eine Fantasiewelt flüchtet. Dabei trifft sie das Wesen Pan, das ihr drei Aufgaben stellt. Wenn sie diese erfüllt, wird sie vom sterblichen Mädchen zur unsterblichen Prinzessin.
Der Film wird aufgrund seiner Verquickung von grausamen Realszenen und mystischen Fantasieszenen oft als modernes Märchen oder Märchen für Erwachsene bezeichnet. Er räumte bei den spanischen Goya-Filmpreisen ab und gewann bei den Oscars in drei Kategorien (Kamera, Szenenbild, Make-up).
Erhältlich bei Amazon als DVD oder im Falle einer Mitgliedschaft bei Prime Video als Stream, jeweils auf Spanisch und Deutsch mit zuschaltbaren deutschen Untertiteln.
El laberinto del fauno (Filmkritik)
Wer als Kind schon gerne Märchen gehört hat, könnte sich für „El laberinto del fauno“ begeistern. Viele märchenhafte Wesen kommen darin vor: die Prinzessin, die ihre Unsterblichkeit zurückerobern muss, kleine insektenartige Elfen, ein der Völlerei huldigender Frosch, ein augenloses kinderfressendes Monster und der Pan (in der griechischen Mythologie der Gott des Waldes und der Natur).
Diese Fantasiewelt verbindet Guillermo del Toro in seinem Film mit einer Realwelt, wie sie grausamer nicht sein könnte. Der spanische Bürgerkrieg ist vorbei, die Faschisten haben die Macht übernommen. Ofelia (Ivana Baquero) zieht mit ihrer hochschwangeren Mutter (Ariadna Gil) in eine ländliche Gegend Nordspaniens. Dort führt Ofelias Stiefvater Vidal (Sergi López), ein hochrangiger Offizier der Faschisten, ein grausames Regime.
Geleitet von einer Elfe entflieht Ofelia der Wirklichkeit: Sie steigt hinab in ein unterirdisches Labyrinth, wo sie dem Pan (Doug Jones) begegnet. Dieser offenbart ihr, dass sie einmal eine Prinzessin war. Wenn sie drei Aufgaben erfüllt, kann sie wieder zur Prinzessin und damit unsterblich werden. Unterdessen spitzt sich der Krieg von Vidals Truppe gegen die widerständlerischen Partisanen zu.
Der Aufbau des Films entspricht einer typischen Heldenreise: Die junge Protagonistin muss ihre Ängste überwinden und schwierige Aufgaben erfüllen, um wieder das zu werden, was sie einmal war. Wie eine Märchenfigur muss sie konsequent alle Widerstände überwinden.
Hier jedoch wird im Gegensatz zu üblichen Märchenbüchern die Gewalt drastisch dargestellt: Gerade Ofelias skrupelloser Stiefvater Vidal foltert oder tötet skrupellos jeden, der sich ihm in den Weg stellt. Und auch in Ofelias Parallelwelt warten schaurige Gefahren. Die Lage eskaliert. Das Ende lässt dann zwei Interpretationen zu.
Ganz leichte Kost ist der zwischen Krieg, Gewalt und träumerischer Fantasie wechselnde Film nicht. Die eindringlichen Schauspielerleistungen, insbesondere die von Sergi López als erbarmungsloser Offizier eines auf Authorität beruhenden Systems, tragen ihr Übriges bei. Wer gerne mal der Realität entflieht, findet sich sicher in Ofelia wieder. Mit ihrem couragierten Handeln vermittelt sie die Grundbotschaft des Films: Die Fantasie kann Berge versetzen, wenn man wirklich daran glaubt.
Celda 211 (Filmkritik)
„Celda 211“ ist ein moderner Film des spanischen Kinos. Kamera und Montage erinnern an Hollywood-Blockbuster, und auch der Handlungsablauf könnte aus einem aktuellen amerikanischen Action-Film stammen. Eine einfache Zusammenfassung der Handlung wäre: Häftlinge in einem Gefängnis randalieren, und das Gefängnispersonal muss versuchen, die Wogen zu glätten oder im Notfall gewaltsam einzugreifen.
Das wäre eine platte, leicht konsumierbare Handlung, wäre da nicht Juan Oliver mit im Spiel: ein Mann, dessen Frau hochschwanger ist (ganz à la Hollywood). Allerdings ist er zur falschen Zeit am falschen Ort. Eigentlich wollte er morgen erst seinen Dienst als Gefängniswärter antreten, aber er entscheidet sich zu einem Rundgang durch die Gefängnisanlage. Nach einem Unfall findet er sich wieder in einem Aufstand von gröhlenden Häftlingen, die randalierend die Macht über den Zellenbereich an sich reißen und drei Geiseln nehmen, um deutlich verbesserte Haftbedingungen zu erpressen.
Fortan weiß Juan: Er muss sich um jeden Preis bei den Häftlingen als einer der ihren darstellen. Dafür muss er dem furchteinflößenden Anführer der Häftlinge, Malamadre („schlechte Mutter“) genannt, glaubhaft machen, dass er ein verurteilter Mörder ist, und sich von ihm bloßstellen lassen. Schnell gewinnt er dessen Vertrauen und den wenig schmeichelhaften Spitznamen „Gürkchen“ (im spanischen Original „Calzones“ = Boxershorts).
Ein Balanceakt beginnt: Einerseits darf er unter den Gangstern nicht als Auswärtiger auffallen, andererseits muss er versuchen, seinen Wärterkollegen wichtige Tipps mitzugeben. Einige Häftlinge trauen ihm nicht, während Malamadre immer mehr Sympathie für ihn gewinnt – erst recht, als er die Geschichte von Juans schwangerer Frau erfährt. Diese erfährt in den Medien von der Revolte. Besorgt fährt sie zum Gefängnis, wo die Lage bereits am Eskalieren ist…
GRENZÜBERSCHREITUNG UND KONTROLLVERLUST
In dem Film verwischen die Grenzen zwischen Gut und Böse: Juan, ein liebender Mann und baldiger Familienvater, überschreitet in seiner Notlage Grenzen. Malamadre, der anfänglich wie die Personifikation des Bösen wirkt, zeigt weiche, verletzliche Seiten. Das Gefängnispersonal hingegen, das routiniert mit Situationen wie dieser umgehen sollte, offenbart einen völligen Kontrollverlust.
Sicherlich ist die Darstellung der Häftlinge als primitiver, pöbelnder, dem Gruppenzwang völlig unterworfener Haufen etwas übertrieben. Aber der Film gewinnt an Tiefe durch das eigenwillige Verhältnis zwischen Juan und Malamadre, die – so verschieden sie auch sind – doch einige Ideale teilen. Erstaunlich ist auch: Die Häftlinge verlangen nicht ihre Freilassung. Stattdessen fordern sie bessere Haftbedingungen, was nur menschlich ist.
Daniel Monzón hat einen Gefängnisfilm gedreht, der einen mit seiner spannenden Handlung mitzieht. Die Atmosphäre des Films ist stets am Brodeln, unterbrochen nur durch ein paar romantische Rückblenden zum Liebesleben zwischen Juan und seiner Frau Elena. Der Zuschauer fiebert mit, ob Juan entdeckt wird oder ob er es schaffen kann, seiner Situation zu entfliehen.
Manche Aktionen von Juan, die er im Affekt begeht, werfen die Frage auf, ob diese weiterhin nur Teil seiner Rolle als Gangster sind oder ob er sich nicht immer mehr mit seinen Knastbrüdern identifiziert. Währenddessen werden Gefängnisbeamte und Polizisten zu kaltblütigen Tätern. Wer in dem Gemisch aus Gewalt und Gegengewalt der Vernünftigere ist, wird verwischt. Wer starke Nerven hat, kann mit „Celda 211“ einen pulstreibenden Filmabend verbringen.
Celda 211
Titel (dt.): Zelle 211 – Der Knastaufstand / Cell 211 Regisseur: Daniel Monzón Produktion: Spanien, 2009 Genre: Thriller Länge: 107 min.
Der Tag vor seinem Amtsantritt als Wärter in einem baskischen Hochsicherheitsgefängnis wird für den 33-jährigen Juan Oliver zum Verhängnis: Eigentlich will er sich nur einen ersten Überblick verschaffen. Doch dann kommt es zu einem Zwischenfall, und Juan bleibt schwer verletzt in der Zelle 211 des Gefängnisses liegen.
Währenddessen gerät ein riesiger Gefängnisaufstand ins Rollen. Juan weiß: Wenn er am Leben bleiben und seine hochschwangere Frau Elena wiedersehen möchte, muss er sich selbst als Gefängnisinsasse ausgeben und vor allem das Vertrauen des unangefochtenen Rädelsführers „Malamadre“ gewinnen. Der Aufstand eskaliert, und für Juan verschwimmen die Grenzen zwischen Gut und Böse.
Der Film beruht auf dem gleichnamigen Buch von Francisco Pérez Gandul. Er hat acht Goyas (sozusagen die spanischen Oscars) gewonnen, inklusive für den besten Film und das beste Drehbuch.
Erhältlich bei Amazon als DVD auf Spanisch und Deutsch mit deutschen Untertiteln, oder im Falle einer Mitgliedschaft bei Prime Video als Stream auf Deutsch.
Verano 1993 (reseña)
Una película catalana, rodada en catalán, sin sincronizar al español con un comienzo modesto que no ha parado de subir peldaño a peldaño el recorrido cultural hasta estar hoy nominada a los Oscar 2018 y tener ya en su haber ciertos premios en diferentes festivales cinematográficos. Verano 1993.
La película empieza con un final y un cambio de familia. La pequeña Frida es adoptada por su tío a la muerte de su madre. La directora Carla Simón nos muestra en una pequeña historia los reflejos del interior de una niña adaptándose a un nuevo entorno.
Las emociones están algo soterradas en la niña, la cotidianidad de la vida en una casa a las afueras es el marco de esa familia que con el nuevo miembro busca intuitivamente un nuevo orden. La interacción entre las niñas, entre los adultos, entre el adulto y el niño es lo que llena toda la película.
Carla Simón consigue mostrarnos esa parte infantil a la vez algo profunda de la que no sabemos si en su fondo hay maldad, inseguridad, nada, o si es únicamente infantil e inocente. El espectador observa a la niña de la película olvidándose que es un personaje creado.
La película está envuelta en una realidad palpable, reconocible. Una realidad que forma parte del espectador.
Las sombras de una madre muerta están presentes en algunos diálogos, en algunas acciones de Frida.
Carla Simón nos muestra una historia nítida, continua en un espacio de tiempo limitado.
Una película fácil de ver, una historia real entre luces, una historia que empieza y termina en la infancia, una emotiva dedicatoria a quien seguramente la hizo posible.
Verano 1993 (Filmkritik)
Es gibt kaum ein schlimmeres Ereignis, als seine Eltern im frühen Kindesalter zu verlieren. Von einem auf den anderen Tag sind die Bezugspersonen weg, die vorher das eigene Überleben garantiert haben. Die Menschen, die einem zum ersten Mal ein Gefühl von enger Bindung und Liebe vermitteln. Wie soll das Leben danach weitergehen?
Dieses Thema greift der vielfach prämierte autobiografische Film „Estiu 1993“ (span.: Verano 1993, dt.: Sommer 1993) auf. Die Eltern der sechsjährigen Hauptprotagonistin Frida sterben an AIDS. Sie wird adoptiert von ihrer Tante und deren Partner, die sich alle Mühe mit ihr geben, jedoch Schwierigkeiten haben mit den wechselnden Launen des traumatisierten Kindes.
Teilweise scheint Frida wieder neue Lebenslust zu gewinnen, etwa wenn sie mit ihrer dreijährigen Stiefschwester Anna Quatsch macht oder mit ihrem Stiefvater tanzt. Die neu aufgebaute Familienwelt scheint für ein paar Momente heil zu sein, bis Frida durch leichtsinnige Aktionen und sogar einen Fluchtversuch wieder zeigt, dass sie mit der neuen Situation noch nicht zurechtkommt.
So rückt zusätzlich zu Fridas Geschichte auch ein anderer Aspekt ins Blickfeld: Wie ist es für ein Paar, wenn es plötzlich eine Stieftochter hat? Kann man sie wie die eigene Tochter lieben? Muss man für ihre gelegentlichen Ausfälle angesichts ihrer schwierigen Situation Verständnis zeigen? In vielen Situationen sind die Stiefeltern damit überfordert, in Fridas Erziehung das Gleichgewicht zwischen Liebe und Strenge zu finden.
Insgesamt liegt der Fokus aber voll auf Frida, deren Alltag über den ganzen Film hinweg verfolgt wird. Ihre Emotionen reichen von einer tiefen Melancholie bis zu einer wiederentdeckten Freude am Leben. Darstellerin Laia Artigas verleiht dem Mädchen eine trotz der vereinzelten „kindischen“ Ausfälle erstaunliche Präsenz und Reife.
Der Film plätschert zwar durch seinen filmuntypischen Aufbau (Aneinanderreihung von Alltagsszenen statt Hinarbeiten auf Spannungspunkte) zeitweise etwas vor sich hin. Sehenswert ist er aber dennoch, weil er die vertrackte Situation nah an den Charakteren und glaubhaft begleitet. Frida und ihre neue Familie zeigen, dass man die Scherben aus der Vergangenheit nicht einfach wegkehren kann, dass das Leben aber weitergeht – mit neuen Herausforderungen, neuen Hoffnungen und neuer Lebensfreude.